Planteamiento / Approach

Prologo.

Empezamos con la figura. Antes de nada, y, en este caso, ni de poner las manos en la miniatura, se debe pensar que se quiere conseguir o hacia donde se quiere dirigir el trabajo que vamos a realizar sobre el modelo. Esto, el planteamiento, es algo que en muchos casos se salta, ni se contempla. Las ganas de meter mano a la directamente son muy grandes, pero es bueno dedicarse un momento para reflexionar, detalles prácticos, desde del montaje, a por donde empezar la figura o ya a temas más de ambientación o del que queremos representar. Este tema en primer momento puede parecer una tontería y/o una pérdida de tiempo. Por experiencia os diré, que es un punto importantísimo del trabajo y que en el resultado final se notará muchísimo. Mis mejores piezas son y han sido aquellas que he dedicado un gran tiempo en plantear la figura, el mimo con el que se ha planteado la escena en global y los elementos en concreto “se ven” en el resultado final. Claro está que hasta que no estemos con “las manos en la masa” habrá cosas totalmente en el aire, pero si tenemos alguna cosa clara del proceso, la resolución de esos “problemas” será mucho más lógica y efectiva.

Un poco de historia de la figura.

Esta pieza es una escultura de Iván Santurio para la marca Tale of War, el box art corrió a cargo de Diego Esteban Pérez, si no me equivoco uno de sus primeros encartes. Salió por la World Expo del 2008 de Girona, y desde el primer momento me gustó, no se porque pero me llamo la atención, en cuanto salió y la vi en la tienda, se vino para casa. Y allí ha estado todo este tiempo. Muchas veces ha estado en la cola de próximos trabajos, con infinidad de colores y a veces incluso como parte de una escena, pero el pobre nunca tenía su ocasión, hasta ahora.

Planteamiento.

En esta figura han pasado muchos colores en mi mente a la hora de abordarla. Lo primero que pensé, justo después de comprarla, fue, copiar el box art, en esa época era muy influenciable y el arte de la caja era lo primero que me entraba por el ojo. Esto no me satisfacía y aparqué la figura. Otro planteamiento fue pintarla en tonos carnes, pero tampoco me acababa de convencer, otra vez aparcada… Y así se quedo durante mucho tiempo. Cuando decidí incluirla en la encuesta para el tutorial como representante de la marca de Tale of War, pensaba en plantearlo como un orco. Pero a medida que la miraba, no lo veía claro, será porque los orcos tienen unas facciones definidas por tantos años de literatura, películas, juegos, wargames, etc. de aire fantástico, que este personaje no encajaba en su “papel”. Dando vueltas por Internet, buscando todo tipo de mitologías, relatos e imágenes vino a mi el termino “Demonio Japonés”. Uno de los primeros vínculos que aparece es “Infierno Japonés y Diccionario Youkai”. Este encabezamiento llamo mi atención y cliqué en el. Cual es mi sorpresa cuando uno de los primeros seres que describe es el llamado Oni. Este es representado en muchas imágenes como un ser corpulento y de color rojo.

Con esto ya tenía color, pero, que tipo de rojo… Otra vez dándole vueltas a Internet… Pensando en de todo, hasta que viene, de nuevo como caído del cielo, el personaje “Hellboy” en google aparecen todo tipo de imágenes e ilustraciones, con lo que es muy sencillo inspirarse. Entre todas hay dos que llaman poderosamente mi atención:



Para mi este primer plano es casi perfecto en cuanto a tonos. Es rojo pero siendo un color creíble, la base es un naranja rojizo un poco desaturado, no es un color muy vivo ni muy brillante, pero tiene una buena intensidad. El color se vuelve morado hacia la sombra conteniendo una gran cantidad de azul. Las luces en cambio se vuelven un poco rosáceas aunque siguen manteniendo un tono anaranjado, eso es sencillo de conseguir añadiendo para las subidas algún blanco roto. Pero a la imagen, para inspiración para una figura, se me queda algo corta en contraste y ahí es donde entra en juego la segunda imagen  en la cual con un tono casi idéntico de piel general se llega a unas cotos de contraste mucho mas altas, con las luces de ese naranja rosáceo mas quemado y unas sombras en negro. Con esto ya tengo lo que define carácter a la piel de mi figura, un rojo no excesivamente vibrante para la base, quemado hacia la luz con morados azulados para la sombra (el complementario) y estas llegando a una gran oscuridad.

El cabello y barba lo tenía claro desde el primer momento, ya que se trataba de un demonio basado en la mitología japonesa. ¿Porque no añadirle algo con un toque manga? Pues blanco será.

Para los pantalones un buen color podría ser el marrón que se ve para las chaquetas en las propias ilustraciones. Este seria un marrón ligeramente rojizo y desaturado con algo de verdes a la zona de sombra.

Las zonas metálicas en no metálicos, ya que, así, reforzamos un carácter más de ilustración. Los MNM con oxido de este modo reforzarán el carácter bruto de la figura.

El ambiente seria bueno, con lo que hemos visto, neutro tirando hacia frío.

Para la base una buena idea seria intentar, a reducido tamaño, lo que hizo Marc Masclans en su obra “So close” para el GD Español.

Como vemos en ella la base esta volando, esta es una nueva manera de presentación de las obras que es muy curiosa y espectacular. Esta fue introducida por Kostas Kariotellis en su obra “Dracul” y muchos pintores se han inspirado en ella para dar rienda a su imaginación. Pero lo curioso de cómo la uso Marc es el echo que juega con un elemento de la escena para el sustento de la escena. Y es con el árbol sobre el que se recuesta el gigante, las raíces del cual “aguantan” el diorama, muy curioso y estético.

Con estas reflexiones claras ya tenemos un camino a seguir en el trabajo sobre la figura y no vamos tan “a ciegas”.

Prologue.

We start with the figure. Before of nothing else, and, in that case, touch the figure, we have to think about what we want to achieve or to what direction we want to take the work we will do on the model. That, the approach, is something that is in some cases ignored. The first thing we want is to begin to work and paint it but is good to take a moment to think about, practical details, from the mounting process, how o where to begin the paintwork or how to ambient the miniature to recreate what we want to represent. That topic could be, in first moment, a bit silly or/and a waste of time. By my experience I would say that it is a capital point of the work and the final result will be so noteworthy. My best pieces are and have been in which I have thought long time about how to approach the figure, the care with you do that point it will we “visible” in the final result. Clear this let me to say that even when we are working on the mini, some details could be on the air, but if we have something clear about the painting process, the resolution of that “problems” will be easy, logic and effective.

A little history about the figure.

That piece is a sculpture done by Iván Santurio for the Tale of War’s brand, the paint of the box was done by Diego Esteban Pérez, and if I were not wrong it was one of his first professional works. It was a new for the 2008 World Expo, which was in Girona, from the first moment I saw it, the miniature get my interest, I don’t know why. As soon as I saw it in a model shop I take it to home. And there has been all that long time. Many times it has been about to be painted in the painting cue, with a lot of different tones to paint it, and sometimes with other miniatures making a little scene, but the poor miniature never gets its chance, until now.

Approach

So many colours I’ve thought to Saint it. The first idea, just after buy it, was to copy the box art, when I bought, I was so influential and the first think that match my eye was the image which covers de box. That didn’t satisfy me and then I put off the project. Another idea was to paint it with human tones, but at the end it didn’t satisfy me, again I put off the poor mini… And a big while passed with the mini unpainted and without plans for it. When I decided to put into the poll for the tutorial as a Tale of War’s representative, the first thought was to paint it like an orc. But when I was staring to it, I didn’t see that as clear as before, maybe because the imaginarium we have about an orc made by films, books, wargames, etc. in a fantasy way, the character didn’t work in my mind. Doing a sight in the net, searching in all kind of mythologies, little stories and images I search “Japanese Demon” (in Spanish). One of the first sites that appear in google was “Japanese Hell and Youkai’s dictionary” (in Spanish too). That begging caught my eye and I click on it. This was my surprise, when one of the very first creatures whom appear was the Oni. It was represented as a big and red human form creature.



With that I have the definitive colour, but, which kind of red… Again I began to search on the net… thinking about all, and I remember Hellboy. I search in google and lots of images and illustrations appear, it was so easy to get inspiration. There were to images which caught my eye:

For me that foreground is almost tonally perfect. It is red, but credible. The base colour is a reddish orange a bit desaturated, it is not a vibrant or shiny colour, but it has a good intensity. The colour turns into a purplish tone with a lot of blue in the shadows. The highlights in return gets a pinkish tone, but, maintaining an orange tone, that is an easy effect to get using for the lighting process some off white. But the contrasts of the illustration are a bit short, for the inspiration of a mini, and there is when the second image is used. In that we could see an almost identically tone range but with more exaggerated contrast, the highlights are in the same tone but with the colour a bit burned and the shadows almost in black. With that I have the premises which give character to my figures skin, a red not so vibrant for the base, burned to the lights with bluish purple for the shadows (the complementary) and that lasts getting a big dark.

I have the hair and beard clear from the very first moment, the miniature is inspired by a demon of the Japanese mythology. Then, why not to apply a manga’s touch? Then, they will be white.

For the trousers a good colour could be the brown we see in the illustrations. It will be a brown a bit reddish and desaturated with something of green in the shadow.

The metallic parts will be painted with non metallic paints, doing that; we will get a more illustration appearance. The NMM with a bit of rust, then, we will give a more bestial appearance to the figure.

The ambient for the whole figure will be neutral to cold tones.

For the groundwork a good idea is to try, in a little size, what Marc Masclans did in his scene called “So Close” for the Spanish GD.

How we see in it, the base is flying, that is a new way to present the works which is curious and spectacular. It was introduced by Kostas Kariotelis in his “Dracul” and many painter have get inspiration in it to give more freedon to their imagination. But the curiosity in Marc’s work is that use elements which are on the top to make the sustenance. And he did that with the tree which is on the top, the rots of it are the way that suspend the entire diorama, so curious and aesthetic.

With all of that clear references we have a way to work on the figure and we are not so “on the ice”.